Lou Borghetti

USA - Washington DC Part I

2012-02-17T10:19:00.001-08:00

Queridos amigos,

como estou pelos EUA para ministrar meus Workshops de Desenho e Pintura, estou aproveitando o Blog para postar algumas imagens da minha viagem. Pretendo compartilhar o máximo possível do que estou visitando com todos meus amigos, seguidores e visitantes do Blog.

Em Washington DC fui, como de costume, ao National Gallery of Art, museu de arte localizado no National Mall. A coleção é fantástica, a programação imperdível e as instalações impecáveis. Com tudo isso, não poderia deixar de compartilhar um pouco com todos vocês.

Beijos e abraços,

Lou

NGA - East Building

Robert Rauschenberg (American, 1925 - 2008)
Wall-Eyed Carp/ROCI JAPAN, 1987
Acrylic and fabric collage on canvas

Nam June Paik (American, born South Korea, 1932 - 2006)
Ommah, 2005
one-channel video installation on 19-inch LCD monitor, silk robe

Frank Stella (American, born 1936)
La scienza della fiacca (4x), 1984
oil, urethane enamel, fluorescent alkyd paint, acrylic, and printing ink on canvas, etched magnesium, aluminum, and fiberglass

Sol Lewitt (American, 1928 - 2007)
Objectivity, 1962
oil on canvas

Andy Warhol (American, 1928 - 1987)
Let us now praise famous men (Rauschenberg Family), 1963
Silkscreen on canvas

Mark Rothko (American, born in Russia, 1903 - 1970)
Untitled (Seagram Mural sketch), 1959
oil and acrylic on canvas

Helen Frankenthaler (American, 1928 - 2011)
Mountains and Sea, 1952
Oil and charcoal on canvas

Salvador Dalí (Spanish, 1904 - 1989)
The Sacrament of the last Supper, 1955
Oil on canvas

Jean Dubuffet (French, 1901 - 1985)
La ronde des images, 1977
Acrylic on paper on canvas

Artemosfera - Parque Mania

2012-01-11T09:29:00.000-08:00

Com cores primárias, artista transforma paisagem no Parque Germânia

Intervenção de Lou Borghetti contou com a participação da escritora Lya Luft

Link para a matéria: http://zerohora.clicrbs.com.br/rs/cultura-e-lazer/artemosfera/noticia/2012/01/com-cores-primarias-artista-transforma-paisagem-no-parque-germania-3626507.html

Artemosfera - Porto Alegre

2011-12-22T10:25:00.000-08:00

Projeto pioneiro de intervenção artística, o Artemosfera faz da capital gaúcha palco do primeiro circuito de arte urbana no Brasil. Realizado pelo Grupo RBS, o Artemosfera criará um circuito de arte urbana com a colaboração de artistas plásticos convidados.

Meu trabalho está no Parque Germânia, próximo ao Shopping Iguatemi, e irei utilizar o Blog para colocar algumas fotos e também falar mais sobre a minha intervenção.

PARQUE MANIA – PARQUE GERMÂNIA

Faz parte da cultura dos Porto Alegrenses o lazer em parques. Por isso "Parque Mania".
O Parque nos passa uma sensação de liberdade (Ar*), sem paredes. Ambiente contrário ao da rotina de casa/trabalho.
* Ar – Amar, Blogar, Criar, Deletar, Encontrar, Ficar, Sonhar, Tuitar, Realizar, Preservar... Esses são verbos terminados em "Ar" que escrevi pelos degraus das escadas do parque, trazendo também verbos associados à tecnologia.
No Parque, temos um ambiente que incentiva a criatividade (imaginação) presente no pensamento, na brincadeira, no esporte...

Cada um de nós pinta com sonhos a praça de sua vida...
Lya Luft

Um local lúdico, livre (Ar Livre), pronto para sofrer uma intervenção, uma criação, como uma tela em branco e lápis coloridos.
Um momento a ser valorizado.

Antes

Depois

Eu queria algo que não fosse preciso, mas precioso...
Lou Borghetti

Workshop de Verão - Pintura Acrílica

2011-12-22T08:46:00.001-08:00

Georgia O'Keeffe

2011-11-30T12:01:00.000-08:00

Georgia o'keeffe

View more presentations from Lou Borghetti.

William Shakespeare: Homem de todos os milênios

2011-11-23T11:00:00.000-08:00

No ano 2000, virada de século, o canal GNT mostrou um belíssimo documentário de quase duas horas sobre William Shakespeare.

Alguém inventou que o milênio que findara teria um representante. O que eu sei, por ter gravado, é que os dois nomes escolhidos ou quem sabe finalistas foram: Leonardo da Vinci e William Shakespeare. Este último ficou como o HOMEM DO MILÊNIO.

Não estou criticando, apenas mostrando fatos televisivos. Para mim, foi um susto. Mas como? Por quê? Como artista plástica e conhecendo bem a vasta e complexa obra de Leonardo, a mim parecia que a ele caberia a homenagem. E assim, acompanhei os dois documentários. Aliás, muito bem feitos.

Tive um ganho maravilhoso, pois até então eu conhecia pouco e mal a obra do bardo gênio. Caí de amor por essa obra; passei a ler as obras e ver todos os filmes disponíveis.

De resto, meus amigos e fiéis seguidores, quero dizer que: to be or not to be, o homem do milênio não faz a menor diferença.

Eles sempre serão Homens de todos os milênios,

E para completar, abro a revista Veja, e por absoluta casualidade, duas reportagens sobre os homens do milênio: Shakespeare e da Vinci.

Na matéria sobre Shakespeare a revista traz uma crítica sobre o filme Anonymus do diretor alemão Roland Emmerich. O filme é ambientado no século XVI e atribui as obras de Shakespeare ao poeta lírico Edward de Vere, o décimo conde de Oxford.

Vou transcrever exatamente o que está na manchete da reportagem:

"Era ou Não Era, Eis a Questão”.

"Ao duvidar que Shakespeare foi Shakespeare, o novo filme de Emmerich seria uma boa diversão de domingo, não fosse a cria bastarda de um tempo que iguala o fato à convicção." (REVISTA VEJA)

"Hollywood desonra o bardo". (REVISTA VEJA)

"A obra de William Shakespeare esteve em paz e contribuindo ao mundo por mais de dois séculos". (REVISTA VEJA)

"No correr dos anos, com a ligeireza própria do descompromisso, apareceram mais de setenta candidatos a Shakespeare, entre eles o dramaturgo Christopher Marlowe, assassinado aos 29 anos, e Francis Bacon, que, sendo filósofo e cientista, entrou na lista de gaiato". (REVISTA VEJA)

Shakespeare's Globe Theatre

William Shakespeare - Homem de todos os tempos.

Shakespeare escreveu:

"Nem tudo que reluz é ouro" (Mercador de Veneza)

"O que não tem remédio, remediado está" (Otelo)

" Meu reino por um cavalo" (Ricardo III )

" Há mais coisas entre o céu e a terra do que sonha a nossa vã filosofia" (Hamlet)

William Shakespeare é o mais amplo e abrangente dramaturgo de que temos notícia. O mais traduzido e encenado em filmes, peças, livros, etc.

E como diz Harold Bloom, profundo conhecedor da obra Shakespeariana," a idéia do personagem ocidental, do ser como agente moral, tem diversas origens: Homero e Platão, Aristóteles e Sófocles, a Bíblia e Santo Agostinho, Dante e Kant, e quem mais o leitor desejar acrescentar, mas a personalidade é uma invenção shakespeariana, e tal feito constitui não apenas a grande originalidade de Shakespeare, mas também, a razão maior de sua perene presença".

Shakespeare tinha uma superioridade intelectual acima da maioria. Ele tornou-se o grande mestre da sondagem do abismo existente entre o ser humano e seus ideais. Para Bloom, ele é o autor da "invenção do humano".

O grande crítico e historiador francês Hyppolite Taine dizia que Shakespeare, e depois Balzac, "são os maiores repositórios de documentos que possuímos sobre a natureza humana".

Os sentimentos sublimes, os sórdidos, a perversidade, a generosidade, a melancolia, o desespero, a paixão correspondida, a paixão sem esperança, a paixão proibida, o deboche, a ironia, o humor corrosivo, o humor ingênuo, o ciúme, a inveja, a ambição pelo poder, enfim, tudo está plasmado em suas peças e poemas. “O bardo inglês é um legado que se constitui numa das manifestações artísticas mais importantes da humanidade."

É importante acrescentar certas particularidades deste homem genial e o único considerado universal:

- Tinha a capacidade única de descrever e perceber as pessoas em seus atos e atitudes como elas realmente são sem jamais julgá-las além de absoluta ausência de ego.

- Os autores que mais influenciaram Shakespeare foram: Ovídio (de família abastada foi para Roma estudar retórica) com Metamorfoses e Michel de Montaigne (de formação sólida e erudita) com Ensaios. Ovidio lhe deu a idéia de que tudo muda constantemente, e que o universo está em permanente mutação. Com Montaigne o questionamento absoluto e sentimento cético.

- Ele não acreditava que suas peças fossem encenadas após sua morte. Não havia interesse de sua parte em publicá-las.

- Acreditava apenas em seus poemas e que através deles entraria para a história.

- Um homem comum utiliza, ao longo de sua vida, não mais que dois mil vocábulos. Um erudito pode fazer uso de seis a sete mil. Shakespeare usou mais de vinte mil, além de ser o criador de inúmeras palavras e estruturar a língua inglesa.

- "Seus personagens não se revelam, mas se desenvolvem e o fazem porque tem a capacidade de se auto-recriarem. Escutam a própria voz. Falam consigo mesmo, no nobre caminho da individuação". Harold Bloom

Hamlet - intelecto , perplexidade, abismo.

Lear (Rei Lear) - sofrimento absoluto

Falstaff - vitalidade

Otelo - entre o Bem e o Mal a dignidade

Rosalinda (Como Gostais) - espirituosidade

Macbeth - ruína - imaginação passiva- medo - Macbeth matou o sono.

SONETO LXX

Se te censuram, não é teu defeito,

Porque a injúria os mais belos pretende;

Da graça o ornamento é vão, suspeito,

Corvo a sujar o céu que mais esplende.

Enquanto fores bom, a injúria prova

Que tens valor, que o tempo te venera,

Pois o Verme na flor gozo renova,

E em ti irrompe a mais pura primavera.

Da infância os maus tempos pular soubeste,

Vencendo o assalto ou do assalto distante;

Mas não penses achar vantagem neste

Fado, que a inveja alarga, é incessante.

Se a ti nada demanda de suspeita,

És reino a que o coração se sujeita.

William Shakespeare

"Não sei se Deus criou Shakespeare, mas sei que Shakespeare é o grande responsável pela nossa criação".
Harold Bloom

" Shakespeare dá vida a mente".

Harold Bloom

Salvador Dalí - Um Curioso Insaciável

2011-10-11T13:36:00.000-07:00

Salvador Dalí

Todas as manhãs ao acordar, escreveu o pintor de Relógios Moles e das Girafas em Chamas, experimento um prazer supremo: ser Salvador Dalí.

Nunca tive muita ligação a Dalí e ao Surrealismo de modo geral, a excessão de René Magritte. Porém, seria um disparate não considerá-lo um dos maiores e mais fascinantes de todos os tempos. Olhando com atenção a obra de Dalí, dois segmentos me chamam atenção especial: Seus desenhos absolutos e suas releituras (pinturas de outros pintores).

1. Desenhos

A linha de seus desenhos e os traços soberbos. Os claros, os meios-tons, as sombras e a destreza no fazer, criando ritmo ao desenho. As figuras parecem falar, dançar - os volumes são perfeitos.

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Ele desenha com todas as possibilidades.

Do acadêmico perfeito às complexas linhas de riscos circulares e levemente sinuosas até o esboço sintético solto e belo.

Como desenhista ele esta entre os maiores, junto a Picasso, Durero e Leonardo da Vinci.

Até mesmo suas múltiplas e variadas assinaturas são desenhos.

O Delirante consciente

Catalão sedento de ouro e de glória, Dalí pintou e falou muito. O seu tema favorito: como nos tornamos um gênio. A sua conclusão: "Ó Salvador, tu sabe-lo agora, se brincas aos gênios, tornas-te num!"

2. Releituras das obras renascentistas

Rafael / Dalí - A Escola de Atenas

Um espírito inquieto em perpetuum mobile que possui a curiosidade universal dos homens do Renascimento. Assim, ele trabalhou avidamente a partir de obras de pintores consagrados como Piero della Francesca, Millet, Vermeer, Velázquez, Miguel Angel, entre outros... Também o fez com os contemporâneos Matisse, Seurat, Picasso, Bonnard, Juan Gris....

Dalí passava de um ao outro, construindo com seus tons, novas formas e humor a la Dalí.

Desta época faz parte o tema da Venus de Milo que mais tarde será a Venus de Milo com gavetas, ela se repetirá muitas vezes. E Gala sua eterna musa inspiradora, presente na vida e na obra deste gênio multifacetado e performático.

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Dalí deixou uma vasta obra além das pinturas, desenhos e esculturas. Contribuiu com o cinema, teatro, fotografia, moda, escritos, objetos,etc.

Viveu plenamente seus 84 anos. Nasceu em 11 de Maio de 1904 em Figueras - Catalunha, Espanha - Morreu em 23 de Janeiro de 1989.

"A única diferença entre mim e um louco, é que eu não sou louco."

Dalí também disse o mais evidente:

"A diferença entre mim e os surrealistas, é que eu sou surrealista".

Imagens:

1 - Dalí - Retrato do Pai e da Irmã do Artista, 1925

2 - Dalí - Metamorfose Paranóica do Rosto de Gala, 1932

3 - Diego Velázquez - A Infanta (Las Meninas), Original e Releitura por Dalí

4 - Vênus de Milo, Original e Releitura de Dalí

5 - Pala di Brera, Piero della Francesca

6 - Salvador Dalí - Madonna de Port Lligat

7 - Michelangelo - A Criação de Adão

8 - Henri Matisse - A Dança

9 - O Angelus - Jean-François Millet

10 - Salvador Dalí - Atavismo do Crepúsculo

11 - De Velázquez a Dalí, 1957

12 - Dalí Gioconda, 1954

Fonte: DESCHARNES, Robert; Neret, Gilles. Dalí: a obra pintada. Köln:Taschen, 2001.780p.

Workshop para Crianças

2011-10-03T11:11:00.000-07:00

Veja mais em: WORKSHOP PARA CRIANÇAS

Anselm Kiefer - O criador de livros

2011-09-26T12:44:00.000-07:00

Anselm Kiefer nasceu em 1945 em meio a uma Alemanha soterrada pelos escombros da Segunda Guerra. O Holocausto e a Cabala, além do cosmos e a natureza, são temas recorrentes em sua ampla e complexa obra.

Em 2006 decidi ficar um mes em NYC. Minha primeira grande surpresa foi uma mega exposição no Metropolitan de Robert Rauschenberg com a mostra Combines, pintura associada a colagens, assemblagens e objetos numa profusão de cores e formas impactantes. Uma exposição monumental de um artista genial. A segunda surpresa chegou em seguida, no mesmo local, onde fui informada de uma exposição de Anselm Kiefer em Montréal. Então...

Mudanças de planos... Rumo a Montréal, com a intenção única de ver a mostra de Anselm Kiefer intitulada Heaven and Earth no Musée D"Art Contemporain de Montréal. Uma mostra tão grandiosa em forma e conteúdo que descrevê-la seria quase impossível. Ver para crer , emocionar e jamais esquecer.

De imediato tracei um paralelo entre meus dois "mestres": o alarmante colorido de Robert Rauschenberg e a quase ausência de cores em Kiefer, e, talvez por isso, ainda mais impactante.

Telas imensas, muitas das quais sobre fotografia com adição de materiais volumosos, terra calcinada, cinza, areia, arames, vidros, palha, imensos girassóis secos, roupas, escritas, etc., Esculturas, livros objeto.

Frente a uma obra chamada The Secret Life of Plants (2001) pintura, mixed media sobre grossas chapas de chumbo, [dimensões: 309.0cm de diâmetro (200.7x147.3cm cada página)] me ocorreu pensar o espaço do artista, aquilo que convencionamos chamar ATELIER; - Onde e como ele concebe e dá forma a essas obras monumentais?
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The Secret Life of Plants [La Vie secrète des plantes] 2002

Um atelier em escala industrial

Em 1992 A. Kiefer se estabeleceu em Barjac, França, e transformou uma planta industrial em um ateliê de 35 hectares, apelidado de La Ribaute. Criou nele um extensivo sistema de prédios de vidro, arquivos, instalações, depósitos para materiais e pinturas, câmaras e corredores subterrâneos.

Com áreas específicas, lugares de armazenamento de materiais a serem utilizados como ele mesmo diz "quem sabe um dia... mas usar tudo isso talvez nunca aconteça".

Intrigada em desvendar um pouco mais sobre este lugar "mágico" e misterioso além do fato de ter sido uma fábrica onde se produzia Seda, fui em busca.

Na loja do museu comprei o catálogo da expo e, entre outros, encontrei uma preciosidade: Um pequeno livro chamado Kiefer s'attaque à la matière de Nadine Coleno, que mostra vários ângulos e perspectivas do mega atelier - cada espaço com um uso específico, incluindo o atelier dos Livros objetos.

A arte de fazer livros. Esta talvez seja sua grande paixão. Kiefer criou seu primeiro livro com 9 anos de idade. Era um livro de ilustrações em aquarela, todo feito por ele, da encadernação até a capa. Ele mostra o livro a um pequeno grupo de crianças, não mais que dez, em visita ao atelier. As crianças curiosas e encantadas que mesmo sem entender a complexidade da obra do grande mestre sentem-se muito a vontade e parece até que falam a mesma linguagem.

O artista polêmico, gigante e genial de cores sombrias e formas perfeitas está alí embebido da nova juventude, mostra a feitura de livros, passeia por entre eles, pinta as fotos com a ajuda dos meninos. Os jovens visitantes, colaboradores e artista numa natural sintonia.
Anselm Kiefer ficou ainda maior, pois mesmo pertencendo aos aclamados Deuses do Olimpo, o homem sensível e disponível estava alí junto daquelas crianças como a dizer: Acredito num mundo melhor.

Dica:

Mais sobre Anselm Kiefer breve no filme: Over Your Cities Grass Will Grow. Trailer oficial logo abaixo.

Workshop 2011/II - Aquarela

2011-09-19T13:35:00.000-07:00

Veja mais em: WORKSHOP DE AQUARELA

Workshop 2011/I

2011-09-19T10:37:00.000-07:00

Veja mais na página do Workshop 2011/I

Linguagem Plástica

2011-08-25T13:08:00.000-07:00

A linguagem plástica do pintor dispensaria assinatura

Sou curiosa e criteriosa por natureza.

Assim sendo, procurei investigar o que as pessoas buscaram para chegar ao meu Blog. Curiosamente, um número altíssimo de visitantes chegou através da busca no Google por "LINGUAGEM PLÁSTICA". Resolvi investigar... Conclusão: tarefa árdua...

Lembrei do meu tempo de escola. Formulávamos um conceito e estava tudo revolvido, bons tempos.
Linguagem plástica faz parte do cotidiano verbal do artista de forma tão usual como se todo mundo tivesse entendendo, daí a surpresa.
Que me desculpem os entendidos no assunto, aliás, a pauta está aberta e comentários serão muito bem vindos, pois o tema é de amplo interesse.
É um assunto complexo, que vai além de simples conceitos e exige pensamentos filosóficos, questões semânticas, abrangências outras para além das puramente plásticas.
Vamos começar com um conceito básico de dicionário como fazíamos no ensino básico:

Linguagem: Meio sistemático de comunicar idéias ou sentimentos através de signos convencionais, sonoros, gráficos, gestuais, etc.

Qualquer sistema de símbolos ou objetos instituídos como signos: Código

A linguagem plástica quebra o padrão estabelecido ou instituído como signos normativos ou códigos estabelecidos e cria novos. Assim, cada artista no uso de sua liberdade criadora, estabelece para si, seus novos signos e formas.

Por exemplo: O famoso cachimbo de Magritte. Onde existe uma contradição palavra – imagem. Um Cachimbo com a frase logo abaixo "Isto não é um cachimbo".

Dica de Leitura: Isto não é um cachimbo de Michel Foucault

Linguagem plástica é a arte de plasmar, modelar, alterar as formas, criar.

Esta abordagem múltipla - poética, lingüística, filosófica, plástica – supõe em considerar que a palavra e a imagem têm a mesma origem, as mesmas funções, estando unidas por diversas afinidades que as tornam cúmplices ao buscar, juntas, o efeito poético. Em síntese, é o ato de fazer - pintar - com propriedade.
Para Magritte, a distinção entre o poeta e o pintor parece não mais existir: “o poeta, que escreve, pensa com palavras familiares, e o poeta, que pinta, pensa com figuras familiares do visível. A escrita é uma descrição invisível do pensamento e a pintura é sua descrição visível” (1979, p.686).

Fonte: MAGRITTE, René. Écrits complets. Paris: Flammarion, 1979.

A História da Arte por Ferreira Gullar

2011-08-23T13:28:00.000-07:00

Ferreira Gullar, nascido José Ribamar Ferreira em São Luís no dia 10 de setembro de 1930. Poeta, crítico de arte, biógrafo, tradutor, memorialista e ensaísta brasileiro.

De Ferreira Gullar pôde escrever Vinícius de Moraes que é o último grande poeta brasileiro. E é a última voz significativa da poesia, atalhou o nosso Pedro Dantas. Parece-me a mim, além disso, que, exceção feita de algumas peças de Mário de Andrade e também de Carlos Drummond de Andrade (mormente em Rosa do Povo), é o nosso único poeta maior dos tempos de hoje. Mas em Gullar a voz pública não se separa em momento algum de seu toque íntimo, de seu timbre pessoal, de esperanças e desesperanças, das recordações da infância numa cidade azul, evocada no meio de triste exílio portenho. Longe dos tempos em que o exercício regular da crítica me punha em dia com o melhor – e o pior – de nossas letras, absorvido inteiramente, desde então, por outras ocupações, foi recente meu primeiro contato pessoal com sua obra poética. Veio-me pela mão amiga de Oscar Niemeyer, no meio de outros volumes de sua Avenir Editora. Ao percorrê-los dei, de repente, com a pequenina grande obra-prima que se chama Uma luz do chão, e a surpresa diante desse descobrimento casual foi o começo de uma exploração sem pausa do universo de Ferreira Gullar. Hoje, sinto-me tão familiarizado com todos os seus recantos que, para a singularidade e a importância de sua contribuição, só encontro de comparável, no Brasil, a prosa de Guimarães Rosa.

*Apresentação de Sérgio Buarque de Holanda no livro Toda Poesia de Ferreira Gullar.

GULLAR, Ferreira. Toda poesia (1950-1999). 9.ed. Rio de Janeiro : José Olympio , 2000. 511 p.

Atelier Lou Borghetti - Porto Alegre/RS

2011-08-10T13:11:00.000-07:00

"O meu lugar no mundo..."

BORGHETTI E O MAR DE TODOS OS NAUFRÁGIOS

Lya Luft

Não se vai ao ateliê de Lou Borghetti como para uma visitinha social: ninguém entra impunemente em contato com a arte. Eu, quando ali, tenho vontade de ficar num canto sendo um bicho, um móvel, um objeto, à espreita. Naquele jogo de luz e sombras, cheiros, cores e formas, a desordem aparente confere ao detalhe um profundo sentido. É uma atmosfera dramática, a um tempo sensual e solene. E sempre a música – quase toda vez em que entro, ela escuta ópera. (Callas? Esqueci de perguntar, mas isso é Borghetti.)

Caixas com tampo de vidro espalhadas nas grandes mesas e no chão. De saída me prende uma, com um pequeno rosto em gesso branco (eu acho), misto de máscara mortuária e máscara veneziana. Que vida se congelou naquela caixa? Em todas elas, grandes ou pequenas, preservam-se amor e dor, sonho e morte. O perverso e o delicado, algo oculto que chama: Vem, vem...

A arte de Lou se faz com delírio e tenacidade, ímpeto e requinte. Um retrato de moça antiga, um bilhete escrito em uma velha máquina de escrever. Sedas amarelecidas que ainda farfalham numa dolorosa sensualidade. Mãos da Monalisa, um coração de metal, e algo que de início não identifico: um preservativo. Um ninho de pássaro, plumas brancas: penso em maternidade e acolhimento, mas no fundo vejo sangue de parto ou de ternura assassinada. Pedaços de poemas. Frases escritas em círculo na letra da artista: mandalas. Da letra, da seda, dos arames finos e das palavras – até do símbolo infinito de um mata-insetos -, arqueia-se uma elaborada construção feita de materiais e a eloqüência do silenciado. Desde tempos perdidos, tudo espera ser visto e elaborado, para voltar à vida através da arte.

Aí me viro, e meu coração desfalece: espumas precipitam-se sobre pedras em uma tela grande. Ouço o rumor das ondas, sinto maresia em minha boca. Involuntariamente exclamo: Mas esse é O MAR DE TODOS OS NAUFRÁGIOS!

Pelas mãos da artista se transfiguram os remanescentes de um naufrágio pessoal ou coletivo, consciente ou inconsciente. O que está nessas caixas e telas são destroços de tantas vidas, todas as vidas – a nossa vida. Seda, letra, seio, fios de metal, um olho e mais adiante o ninho com sangue: essa vigorosa humanidade primitiva nos define. O trabalho de Borghetti é uma celebração daquilo que apesar de tudo persiste e é belo, que se desmonta e se recupera incessantemente, como nas transformações da natureza. É uma trama lúcida e onírica onde rótulos e explicações se tornam supérfluos. Pois Lou é também meio bruxa, disso nunca duvidei.

Um pouco de mim permanece naquele ateliê muito depois de eu ter saído: essa obra nos mostra humanos e transcendentes, perdidos mas recuperados, e sempre inconclusos. Como a vida, a arte nunca está terminada.

Publicado no jornal Zero Hora do Dia 19/04/2003

[...] O espaço de trabalho constitui para todos o catalisador de idéias, a oficina de novos desafios. Para grandes obras que envolvem equipes ou para trabalhos às vezes solitários que pedem apenas uma janela, um vaso florido e o pulsar da cidade.[...]

Leila Kiyomura e Bruno Giovannetti

Clique para ouvir: Maria Callas - Puccini, Un bel vedremo (Madame Butterfly)

Workshop 2011 - Atelier

2011-07-27T15:38:00.001-07:00

IMAGENS DO INCONSCIENTE: PINTURA E ESQUIZOFRENIA

2011-07-18T13:09:00.000-07:00

Emygdio de Barros e Fernando Diniz

Em 1944 a Dra Nise da Silveira inicia um trabalho revolucionário dentro do Centro Psiquiátrico Nacional Pedro II, no Engenho de Dentro, Rio de Janeiro. Ela lutava contra as técnicas que considerava agressivas aos pacientes. Era contra os eletrochoques, lobotomias e outros métodos adotados nas enfermarias. Em 1946 funda a Seção de Terapêutica Ocupacional e cria ateliês de pintura e modelagem com objetivo de dar aos internos uma melhor qualidade de vida através da expressão simbólica e da criatividade.

A produção desses ateliês foi uma surpreendente revelação de talentos. Daí nasceu a idéia de organizar um Museu que reunisse as obras criadas nesses setores de atividade, a fim de oferecer ao pesquisador, condições para o estudo de imagens e símbolos e para o acompanhamento da evolução de casos clínicos através da produção plástica espontânea.

E como sempre, de um grande grupo, logo alguns se destacaram. No livro Museu de Imagens do Inconsciente, os trabalhos de sete internos são analisados por críticos de arte como Mario Pedrosa, Ferreira Gullar, José Lins do Rego entre outros. Cada um com sua particularidade e linguagem. Vale conferir. Porém, aqui reservo espaço para os três, que por qualidade e quantidade de obras bem poderiam estar ao lado de Matisse, Bonnard ou Picasso em todos os museus do mundo, não fosse o fato de serem mestres geniais e anônimos do centro psíquiátrico do Engenho de Dentro.

Raphael Domingues O desenhista de linhas puras

Desenhos de Rapahel Domingues

Nasceu em julho de 1913, no estado de São Paulo, sendo o primogênito de quatro irmãos. Pai de nacionalidade espanhola dedicava-se a construção de monumentos fúnebres. Sua mãe descreve-o como um menino tímido, sensível, retraído.

Quando o pai abandonou a família, Raphael, para ajudar no sustento dos irmãos mais novos, foi trabalhar como ajudante na fabricação de gaiolas para pássaros. Aos 13 anos ingressou no Liceu Literário Português, onde estudou desenho acadêmico. Trabalhou como desenhista em escritórios particulares, chegando a ganhar um prêmio em concurso da Standard Oil Company.

Aos 19 anos de idade foi internado no hospital psiquiátrico da Praia Vermelha. E logo foi para o atelier pintar e desenhar. Ah., que desenho! que harmonia de linhas que vão e vem num balanço ritmado feito uma melodia.Sim, é isso, musica é uma só linha do inicio ao fim, com delicados arabescos, e soluções de mestre. Como disse Ferreira Gullar “Um mestre sem diploma, sem teoria, ele brinca com as linhas,brinca com a imitação do real: imita-o brincando, exibindo seu virtuosismo que dispensa segui-lo passo a passo, desestabiliza nosso hábito de ver e nos dá a beleza outra que só o desenho nos pode dar".E como não se emocionar ao ver desenhos tão belos tão livres, tão soltos tão gestuais num vai e vem de equilíbrio, forma, força e delicadeza que deslizam sobre o papel. Os desenhos de Raphael nos remete aos de Picasso feitos com uma só linha.

Desenhos de Rapahel Domingues

Desenhos de Picasso em uma só linha

Fernando Diniz o pintor das cores vibrantes e narrativas sonhadas

Fernando Diniz Henri Matisse

Nasceu em Aratu, Bahia, em 1918. Mulato, pobre, nunca conheceu o pai. Em 1949 vai para o Centro Psiquiátrico Pedro II onde começa a freqüentar a Seção de Terapêutica Ocupacional.
Aos 4 anos de idade veio para o Rio de Janeiro com sua mãe que era excelente costureira. Morando em promíscuos casarões de cômodos, costumava acompanhá-la quando ia trabalhar em casas de famílias ricas e abastadas.
Estudou até o 1 cientifico e sempre foi o primeiro aluno da classe, mas abandonou os estudos. Seu sonho era ser engenheiro e casar com a bela Violeta. De certa forma nunca abandonou seu sonho, mas o fez de outra forma.

Pinturas, pinturas e mais pinturas. Quantidade: milhares. Soberbas metáforas plásticas. Plasmou em papéis e telas sua "história" rica em imagens, cores e formas, feita de lembranças do tempo que morava com sua mãe na casa dos pais de Violeta, a menina-moça-mulher, fonte inesgotável de inspiração. Este sonho o manteve vivo e produtivo e com um vigor criativo próprio dos grandes mestres.

Obras de Fernando Diniz

Emygdio de Barros o pintor de imagens "fosforescentes" e a experiência de criar

Obras de Emygdio de Barros

Natural do Estado do Rio de Janeiro, Emygdio foi uma criança triste e tímida, revelando desde a infância, habilidade manual fora do comum. Na escola primária e no curso secundário foi sempre o primeiro da classe. Fez o curso técnico de torneiro mecânico e ingressou no Arsenal de Marinha. Destacando-se pela qualidade do seu trabalho, foi designado para fazer um curso de aperfeiçoamento na França, onde permaneceu durante dois anos. Logo após a sua volta ao Brasil (1924) manifestaram-se alterações no seu comportamento: deixou de freqüentar o emprego, passando a andar pelas ruas, sem destino, até tarde da noite, ou a entrar nas igrejas, onde ficava horas inteiras de pé, imóvel, olhos fixos. Foi então internado no velho hospital da Praia.
Emygdio ignora princípios formais, teorias e escolas, é "moderno" sem o pretender. Também sem o pretender, realiza a suprema aspiração da arte: a liberdade de expressão.

Mesmo olhando ao natural ele não copia a realidade estanque, vai além na sua complexa criação se permitindo usar outros elementos imaginários, com prodigiosa capacidade para o uso das formas, cores e belos matizes.
Para Ferreira Gullar "Emygdio de Barros é um dos raros gênios da pintura brasileira... um gênio é uma solidão fulgurante. Ultrapassa as medidas e as categorias."

Emygdio de Barros Pierre Bonnard

E aí me pergunto: A sanidade em demasia não esvazia o pintor?

Fonte das biografias: http://www.museuimagensdoinconsciente.org.br
Fonte das imagens: PEDROSA, M. Museus: museu de imagens do inconsciente. Rio de Janeiro, FUNARTE – Instituto Nacional de Artes Plásticas, 1980. (Col. Museus Brasileiros).

Bispo: O Peregrino da Solidão

2011-06-19T18:51:00.000-07:00

Simon Schama diz que "a grande arte tem péssimos modos e que seu poder está na surpresa perturbadora".

Isso é Bispo do Rosário!

Arthur Bispo do Rosário, brasileiro, nascido em Sergipe no ano de 1909 e falecido em 1989.

Sua biografia é bastante provocadora e instigante. Foi marinheiro dos 15 aos 23 anos de idade, mas em 1938 bispo é preso como indigente e demente, sendo levado para um hospício situado na praia Vermelha (RJ).

Diagnóstico: Esquizofrênico-paranóico.

Um mês depois é transferido para a colônia Juliano Moreira onde permaneceria cerca de 50 anos, sendo 7 anos encerrado num quarto pintando e bordando, reconstruindo um mundo novo. Como ele dizia: “eu faço o que a voz manda".

Ao fim dos sete anos a voz disse: "A obra esta pronta"

Desfiava o próprio uniforme para bordar seus estandartes. Com a mesma linha azul, enrolava todos os utensílios que encontrava no pátio do hospital. Era um catador e acumulador voraz de objetos (in- úteis).

E daquele minúsculo quarto/atelier uma obra gigantesca em quantidade e qualidade beirando a genialidade aguardava a hora da passagem para o mundo real.

O escravo do Senhor havia cumprido seu trabalho. E que trabalho. O Brasil tinha um artista de calibre mundial. Um visionário com seus "ready mades”, sem ter a menor noção do que isso significava.

Seríamos capazes de distinguir num rápido olhar os objetos de Bispo junto ao de outros mestres internacionais que usam a mesma linguagem plástica? Vou mais longe... Esses objetos comuns, hoje elevados ao patamar de arte, seriam admirados e valorizados num outro contexto?

Robert Rauschenberg nasceu em Port Arthur, Texas no ano de 1925 e faleceu em maio de 2008.

Marcel Duchamp nasceu em Blainville-Crevon, França em 1887 faleceu em outubro de 1968.

Roda da fortuna de Bispo X Roda de bicicleta de Duchamp

Detalhe: Bispo nunca viu a roda de Duchamp

Arman nasceu em Nice, França em 1928 e faleceu em 2005 em Nova York.

Obras de Arman X Obra de Bispo

Em 2007 o jornal The Washington Post fez uma experiência sobre ARTE E CONTEXTO. Convidou um dos maiores violinistas do mundo para tocar numa estação de metrô. Joshua Bell, vestindo jeans, boné e camiseta tocou Bach durante 45 min. com seu Stradivarius de 1713, avaliado em US$ 3,5 milhões. Resultado: somente três pessoas pararam para ouví-lo, apenas uma senhora o reconheceu e arrecadou a bagatela de US$ 32,17 no total.

A pesquisa mostrou que, sem ADEQUAÇÃO e CONTEXTO a arte não existe.

"É difícil enxergar o seu ambiente quando você está no seu ambiente. Procure o visível invisível"
Joshua Davis

Mentes Brilhantes - Fascinantes e Misteriosas

2011-05-22T06:26:00.000-07:00

Segundo os cientistas, os autistas só percebem aquilo que é concreto, exato, quanto mais próximo do perfeito melhor. Jamais conseguem abstrair...

Desenhar assim? Só eles...

O mais novo prodigious savant do momento é o londrino Stephen Wiltshire.

Alem de ser amante da arte, eu sou apaixonada por ciência e filosofia e, fiquei tão impressionada com a qualidade do desenho de Stephen que custei a crer que estava vendo um caso clínico.

Fui pesquisar...

"Eles desenvolvem habilidades excepcionais numa determinada área, mas mal conseguem comunicar-se e relacionar-se com as outras pessoas. Costumamos dizer que são como ilhas de excelência num mar de deficiências", afirma o psiquiatra Estêvão Valdaz.

E o britânico Stephen era exatamente assim. Até os 5 anos de idade não pronunciou uma palavra sequer. Sua comunicação veio através da arte. Dono de um talento e uma memória genial, Stephen é capaz de reproduzir cidades inteiras com riqueza de detalhes que impressiona qualquer especialista. Após um vôo de 2 horas num helicoptero ele é capaz de memorizar as imagens tal qual uma câmera fotográfica.

Recomendo os vídeos onde são apresentados os desenhos das cidades de Nova York, Tóquio, Roma, etc.

O mais famoso Savant do mundo é o americano Kim Peek, que inspirou o diretor Barry Levinson a fazer o filme Rain Man. Kim Aprendeu a ler aos 2 anos e aos 55 já sabia de cor mais de 7.500 livros.

Derek Paravicini, outro genial Autistic Savant, é um pianista magistral, vale conferir.

E a útima a quem dedico especial atenção não só pelo fato de ser a única mulher, (a sindrome de Savand é quatro vezes mais frequente entre homens) mas por sua determinação, obstinação e principalmente superação é Temple Gradin, americana, nascida em 1947.

Temple Grandin é Doutora em ciência animal e professora da Universidade do Estado do Colorado. Criou uma máquina no mínimo curiosa chamada "Hug Machine", um dispositivo desenvolvido para acalmar pessoas tensas e ansiosas. É reconhecida por inumeros trabalhos em favor dos animais e do abate com técnicas avançadas dignas e corretas.

Seu processo intectual não é através de frases, mas sim com figuras, uma representação plástica, como se montasse um cineminha da realidade.

É.... e não é por acaso o belo título de sua autobiobrafia "Uma menina estranha".

Em 2010 a HBO produziu um filme que é uma verdadeira obra prima. Uma biografia da Temple Grandin com Claire Danes no papel da mesma. Também fica a dica!

"Se a natureza é cruel, nós não precisamos ser." Temple Grandin

Arte e Aparência

2011-04-14T12:41:00.000-07:00

Recentemente vi dois filmes: Cópia Fiel do iraniano Abbas Kiarostami e o Retrato de Dorian Gray, do diretor Oliver Parker, baseado no romance de Oscar Wilde.

O enredo dos dois filmes me faz lembrar uma teoria Freudiana presente no livro O mal-estar na Civilização onde ele diz:

"O ser humano não consegue ser feliz porque esbarra em três problemas insolúveis:

1. A incapacidade de dominar a natureza

2. A decrepitude do corpo

3. A relação com o outro"

Queiramos ou não, os filmes ou a arte de uma maneira geral é um vai e vem permanente na abordagem desses tópicos.

Mas o que me chamou a atenção foi a posição oposta, e de certa forma estranha, de cada filme em relação as obras de arte.

Em Cópia Fiel o protagonista, um erudito escritor, propõe uma forma inusitada de ver a arte em seu novo livro. Para ele nem mesmo a Mona Lisa é um quadro original. Segundo o escritor, o original seria apenas a própria Gioconda quando posava para que Da Vinci a pintasse. No mais tudo são aparências, ou melhor, uma cópia fiel.

Criador, Criatura e Criação

Já em o Retrato de Dorian Gray, existe uma relação complexa entre Criatura X Criador x Criação, frente a disputa de poder e gloria. No filme, ao término da pintura, o pintor olha para o retratado, Dorian, e afirma: " a obra superou o original". Dorian, assustado com a constatação, passa a sentir-se perseguido pelo belo retrato.

No filme Cópia fiel, a referência ao que tudo indica é sempre com artistas renascentistas, portanto acadêmicos, mais próximos da semelhança. No Retrato de Dorian Gray, sendo um trabalho mais decorativo, impressiona pela extrema habilidade e virtuosismo do pintor. Pinceladas de cores delicadas e inocentes.
Neste caso a aparência do retrato é sempre mais próxima do original (Dorian) idealizado.

Picasso ao retratar, por exemplo, Dora Maar teria tido esse problema?

Cada obra de Picasso, ou cada artista expressionista, frente a sua obra com caracteristicas tão proprias e originais é sempre ORIGINAL por si só. As refencias e aparências são bem mais difíceis.

A obra é sempre maior que o original e nunca será uma cópia fiel.
Isso vale para qualquer época e todo grande artista.
VIVA LEONARDO!! VIVA MONALISA!!

SOS Rio, Cultura - Foto

2011-02-08T11:39:00.000-08:00

"Lou Borghetti doou uma de suas obras para o leilão que André Venzon está organizando em prol das vítimas das enchentes no Rio de Janeiro. Os artistas participantes da iniciativa tiveram encontro na segunda-feira, na Casa de Cultura Mario Quintana, para entregar seus trabalhos. Aliás, a data marcou o acontecimento da ação solidária “SOS Rio, Cultura”, promovida pela CCMQ junto com o gabinete da primeira-dama, Sandra Genro. O dia foi marcado por uma série de atividades artísticas e culturais, e cuja entrada para a participação do público era a doação de alimentos não-perecíveis e produtos de higiene pessoal ou de limpeza."

Fotografia da série " A Ferro e Flor"

Fotografia, C-print sobre Supra Endura Professional Paper, 30 X 40 cm

Impressionismo - Uma quebra de paradigma?

2011-01-31T11:11:00.000-08:00

Outro dia, um amigo me disse sem rodeios: “Não gosto mais da arte atual. Para mim, a pintura acabou no período dos impressionistas e mesmo alguns deles, tenho sempre a impressão de que as telas estão inacabadas. Não me sinto mais capaz de apreciar ou me emocionar frente a um Picasso por exemplo".

Teria o impressionismo feito uma cisão, uma quebra de paradigma?

Jean-Baptiste-Camille Corot
Rome: View of the Tiber from the Ponte Rotto to the Isola Tiberina with the Monastery of S. Bartolomeo
1827-1828

Claude Monet
Impression, soleil levant
1872

Desde sempre, a pintura obedeceu a normas realistas, simbólicas, clássicas, etc. Então em 1840, um grupo de jovens audaciosos e corajosos resolveu pintar a sua maneira sem mais obedecer às formas realistas e de atelier. A pintura agora era ao ar livre sem contornos e “sem acabamentos”, fluída. O que importava era a emoção, a forma e a cor.

Paradigma

Versão em português

Paradigm

English version

Encerramento - "A Ferro e Flor"

2010-12-13T10:25:00.000-08:00

Queridos Amigos,

Gostaria de agradecer a todos aqueles que participaram e prestigiaram a mostra “A Ferro e Flor”.

Aos que ainda não tiveram oportunidade de conferir a exposição, estarei na galeria Tina Zappoli dia 17 (Sexta-feira) a partir das 18 Hrs, conforme convite abaixo.

No Sábado, dia 18, estarei na galeria das 10 às 14 Hrs, para brindarmos o encerramento do evento.

     Conto com a presença de todos.

               Abraços,

                        Lou Borghetti

Goya e Iberê Camargo (Paralelos)

2010-12-02T09:28:00.000-08:00

" A pintura deve desafiar o espectador [...] e o espectador, surpreendido, deve ir ao encontro dela como se entrasse em uma conversa." Roger de Piles, 1676

Iberê Camargo - Desenhos

Mais de dois séculos separam estes dois geniais artistas, e ainda assim podemos perceber uma "similaridade" mais que pictórica ideológica.

Há neles uma espécie de almas gêmeas. Linhas fortes, gestos rápidos e precisos. Como dizia Iberê: "Faço uma pintura que morde". Artistas engajados em seu tempo, da ordem à desordem, da superfície ao abismo.

O eterno drama da existência humana. Assim como Goya, basicamente em suas gravuras, satirizava a hipocrisia social, o clero, as guerras...

"Goya - Locos" Detalhe de "Iberê - A Idiota"

"Goya - Aun Aprendo" "Iberê - Desenho"

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Detalhe de "Goya - O enfeitiçado" "Iberê - Motociclistas"

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"Goya - El espejo indiscreto" "Iberê - Desenho"

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Iberê também o fez em as Idiotas, as manequins etc. Ora, ninguém é ingênuo em pensar que Iberê Camargo enquanto pintava, pensava em Goya ."O artista desvia-se dos seus precursores (de Goya principalmente) para cair no seu próprio abismo feito das contradições entre a vontade de existir singularmente e a dor dessa existência." Iberê Camargo.

Eu poderia traçar o mesmo paralelo com outros magistrais pintores, El Greco, Daumier, Rembrandt, Velazquez, e os desenhos de Alberto Giacometti entre outros.

"Goya - Disparate de Miedo"

"Iberê - Solidão"

"Goya - La Lealtad" "Iberê - Tudo te é falso e inútil II"

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"Goya - Aquelarre, Sabbath das Bruxas" "Iberê - Desenho"

"Goya - Cruel Lastima "Iberê - No vento e na terra II"

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Enfim, o inimigo da arte é o mau pintor, o grande artista é sobretudo atemporal. A obra de arte define-se por si mesma, pela sua presença.

Montagem sobre telas de Goya e fotografia de Iberê

O misterioso cão de Goya e o famoso gato Martim de Iberê Camargo.

Como dizia Rilke em Cartas a um jovem poeta (1976, p. 21) "As coisas estão longe de ser todas tão tangíveis e dizíveis quanto se nos pretenderia fazer crer; a maior parte dos acontecimentos é inexprimível e ocorre num espaço em que nenhuma palavra nunca pisou. Menos suscetíveis de expressão do que qualquer outra coisa são as obras de arte, - seres misteriosos cuja vida perdura, ao lado da nossa, efêmera."

“A imagem é maior que a palavra“

Lou Borghetti

IBERÊ CAMARGO E A MINHA FORMAÇÃO

2010-11-16T16:16:00.000-08:00

Iberê Camargo - Retrato de Elizethe Lou Borghetti, acrílica sobre tela 56 x 46 cm, 1984

Ninguém ensina ninguém a ser artista.

Conheci Iberê em 1980. Ele voltara a morar em Porto Alegre, vindo do Rio de Janeiro, com uma mostra na Galeria do Centro Comercial Azenha. Naquela época eu não conhecia de perto sua pintura. Passei em frente a galeria e me deparei com uma tela grande, escura e muito dramática. Pensei: não gosto, vou embora. Andei uns metros, voltei. Parei novamente, olhando a tela através do vidro e novamente meus pensamentos eram de como alguém pode pensar algo assim, pintar assim, eu não teria esta tela em minha casa, ou teria? Olhei para dentro da galeria, com pouca gente, num pequeno espaço expositivo bem acolhedor. Entro, não entro, entro, só pra ver a tela sem o vidro e ter certeza de que não gosto. Entrei, pensei, mas quem é esse pintor que de tão forte e corajoso me provoca tanta sensação de desconforto, mas ao mesmo tempo não consigo parar de olhar. Não tive dúvida, perguntei: Quem é o pintor? E um senhor alto, atencioso e muito gentil se aproximou e disse: Sou eu. Ah, desculpe, eu posso ser franca? - Claro. - Não gosto da sua pintura, me aflige muito.

E ele do alto de sua extrema gentileza disse: Nem eu, acabo de encontrar uma pessoa sincera.

Iberê Camargo - Obras

Grande homem, grande mestre, um pintor internacional.

Durante alguns anos convivi como aluna e assistente do Iberê e amiga de Maria Camargo, por quem tenho profunda estima e admiração.

Carta de Iberê Camargo

"Querida Elizethe, já estás matriculada como aluna vitalícia. Muito carinho, Iberê."

Lou Borghetti e Iberê Camargo

A grande lição que tive naquela noite em 1980 foi: Não se pode julgar um artista por uma obra, é preciso ver a obra toda, do inicio ao fim. No caso específico de Iberê, conhecer o processo criativo é fundamental. Talvez eu tenha apreendido a pintar só olhando seu processo único e genuíno.

Iberê trabalhava, dia e noite na mesma tela, dezenas de telas, quantidades de tinta de altíssima qualidade, tubos e mais tubos, raspados e jogados sem piedade no lixo. Recomeçava. Mais tinta, mais esforço físico e mental, e lá ia novamente o artesão obcecado na busca incansável da forma.

INFLUÊNCIAS, APRÈS E APRENDIZADO

É comum perguntar a um artista como se deu seu aprendizado, e quem foram seus "mestres". No meu caso tive alguns bons e grandes mestres. Dois deles brasileiros: litogravura e aquarela estudei com Danúbio Gonçalves. Desenho e pintura com Iberê Camargo, e por falar em Iberê, é bom citar um trecho do livro de Lisette Lagnado “Conversações com Iberê Camargo” onde ele mesmo responde a essa famosa pergunta na página 21:

"Seu aprendizado se fez através de cópias (Vermeer, El Greco, Rubens...). No entanto, o artista deve procurar a si mesmo para produzir um testemunho singular. Como conciliar essas direções, olhar para os "mestres" sem se curvar diante de sua magnitude e fazer meros pastiches?

- Meu aprendizado não se fez apenas através de cópias de grandes mestres. Embora não tenha - graças a Deus! - cursado uma academia de arte, na juventude frequentei ateliês de mestres, na Europa. O conhecimento, uma sólida cultura plástica como a entendo, jamais poderá sufocar a originalidade de um artista, se ele realmente a tem. Conheci em Paris, um escultor brasileiro, bolsista, que não frequentava museus para não perder a personalidade, esquecendo, talvez, que só se perde o que se tem. Mo Museu do Prado, encontram-se, lado a lado, cópias e originais de mestres: Delacroix après Rubens; après Tiziano. Cézanne estudava os velhos mestres. A sua meta era refaire Poussin sur nature."

Elizethe Lou Borghetti por Iberê Camargo, desenhos

A FERRO E FLOR - até 18 de dezembro

2010-11-14T10:51:00.001-08:00

Cow Parade - Porto Alegre

2010-10-26T11:00:00.001-07:00

O maior e muito bem sucedido evento de arte pública no mundo chegou a Porto Alegre. A convite do jornal Zero Hora, fui fazer uma visita, muito bem acompanhada, pelas vacas espalhadas pela cidade. Vocês podem conferir no vídeo abaixo.

Fonte: http://mediacenter.clicrbs.com.br/zerohora-player/49/player/145914/tour-para-ver-as-vacas/1/index.htm

Exposição A FERRO E FLOR - Entrevista

2010-10-15T13:39:00.000-07:00

Entrevista com Katia Suman no programa Camarote TVCOM do canal 36 de Porto Alegre - Lançamento da exposição de fotografias "A Ferro e Flor".

Mais informações sobre a exposição no site: www.borghetti.com.br

Exposição A FERRO E FLOR - Galeria Tina Zappoli

2010-10-07T16:49:00.001-07:00

Visite o site: www.borghetti.com.br

Releitura Parte II: van Gogh X Millet

2010-09-24T18:52:00.000-07:00

van Gogh (1853-1890) tinha em Jean F. Millet (1814-1875) seu grande ídolo. Sua admiração por Millet era tamanha que pintou, a sua maneira, mais de 10 pinturas todas baseadas nas obras do mestre.

van Gogh acreditava que "sempre se aprende e se encontra consolo e companhia na obra de outro (autor)".
A arte é um mundo poderoso e de infinitas possibilidades. É preciso paixão e dedicação.

Releitura Parte I: Picasso e as meninas de Velázquez

2010-09-20T14:45:00.000-07:00

Las Meninas (1656), Diego Velázquez

Pablo Picasso costumava frequentar o Museu do Prado com a intenção, quase única, de ver a grande tela de Diego Velázquez.

Ficava horas olhando e desenhando. O resultado foram 44 pinturas e centenas de desenhos todos baseado na grande pintura Las Meninas.

Clique para ampliar

É bem comum mestres do presente, ou do passado recente, olharem os grandes que os antecederam e a partir de suas obras criarem novas - uma espécie de releitura.
Picasso fez o mesmo com a tela Almoço na Relva de Manet, entre outros.
E por falar em Las Meninas, lembro da pergunta que tantas vezes fiz a mim mesma:
Mas afinal porque essa emblemática pintura é tema sempre recorrente de pintores contemporâneos?
Seria a composição em uma escala de grandeza, as cores, o tema, a perfeição do todo, o pintor presente na tela ligeiramente afastado a pintar outra tela, ou seria a própria,...? É tudo isso aliado a sensação de incógnita magia que a tela emana e nos seduz.
Michel Foucault faz um relato magnífico desta obra no livro As palavras e as Coisas: uma arqueologia das ciências humanas; Capítulo 1 - Las Meninas.

Fica aí a dica.

A infanta e Aglaupi, Lou Borghetti. (Releitura a partir de Velázquez e Picasso)

LINGUAGEM PLÁSTICA - INSPIRAÇÃO TAMBÉM É PESQUISA

2010-09-13T10:12:00.000-07:00

O trabalho de Eduardo Berliner, artista jovem e conceituado, mostra que a arte contemporânea ainda se utiliza das mesmas ferramentas dos antigos e clássicos pintores.
A diferença é apenas no modo de execução, a forma é nova, não convencional.

É frequente a pergunta dos meus alunos sobre o ato criativo, desenvolvimento de uma linguagem pessoal, cartela de cores, etc.

Aqui é possivel ver claramente que um artista não cria nada do nada. Seleciona imagens do cotidiano que lhe chama atenção, recorta, remonta, fixa na parede. O uso constante do sketchbook com rápidos desenhos aquarelados, nanquin, etc.

Pesquisa de cores e pinceladas próprias. O uso do modelo vivo, ainda que apenas para fotografar e posteriormente servir de tema para uma pintura. É importante notar que a "pose" da modelo e do cão sai completamente dos padrões conhecidos e aí está o mote, o diferencial: "linguagem própria".
Quando dizemos que inspiração é 10% e os outros 90% é transpiração, é isso. Muito trabalho, pesquisa, desenho, mais desenho, recortes de jornais e revistas e foto-montagens. Pintar e repintar tantas vezes quanto forem necessárias, até que o resultado esteja bom.

Bom apenas, o melhor, aquele perfeito... será quem sabe no próximo. E assim seguiremos fazendo e transformando eternamente.

Esse post meio didático tem endereço certo, aos meus alunos e a todos que tenham interesse ou apenas curiosidade.

A POLÊMICA AÇÃO DO CONSAGRADO PINTOR ROBERT RAUSCHENBERG

2010-08-29T06:53:00.000-07:00

Alguém já disse que pensar é transgredir.
A arte sempre foi palco de transgreções e polêmicas.
A cada ação uma reação.
PROPONHO QUE OLHEM OS TRÊS VIDEOS, de modo especial o de N.3: RAUSCHENBERG ERASED DE KOONING.
Deem sua opinião, afinal é próprio do ser humano buscar respostas, conceitos, rótulos, coisas do tipo: GOSTO, NÃO GOSTO, BOM, RUIM, VERDADEIRO, FALSO, DIVERTIDO, SÉRIO, VANDALISMO, CRIAÇÃO, CORAJOSO, CORDATO e por aí vai: PRÓ x CONTRA.
Vamos POLEMIZAR...

N.1
UM POUCO DA OBRA DE ROBERT RAUSCHENBERG
Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas), 22 de Outubro de 1925 - Flórida, 12 de Maio de 2008) foi um artista do Expressionismo abstrato e Pop art.
Rauschenberg estudou no Kansas City Art Institute, na Academie Julian em Paris, e com Josef Albers no Black Mountain College na Carolina do Norte, antes de se fixar em Nova York, onde estudou no Art Students League of New York e onde desenvolveu relações mais profundas com Cy Twombly, Jasper Johns , John Cage, e Merce Cunningham.

Fonte: ROBERT RAUSCHENBERG. In: WIKIPÉDIA, a enciclopédia livre. Flórida: Wikimedia Foundation, 2010. Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg

N.2
UM POUCO DA OBRA DE WILLIAN DE KOONING
Willem de Kooning (Rotterdam, 24 de Abril de 1904 — Long Island, 19 de Março de 1997) foi um pintor neerlandês do expressionismo abstrato.

N.3
A AÇÃO TRANSGRESSORA DE RAUSCHENBERG

Sugestão de Leitura:

TRIGO, Luciano. A grande feira: uma reação ao vale-tudo na arte contemporânea. Rio de Janeiro: Record, 2009.

A POLINÉSIA DE PAUL GAUGUIN E SUAS ILHAS PARADISÍACAS

2010-08-04T11:47:00.000-07:00

Penso que para o viajante a viagem tem três momentos distintos:
A espera: o sonho, a expectativa a preparação.
A chegada: a realização, o encantamento, os desconfortos, as descobertas, andar, andar e mais andar, registrar e documentar.
A volta: as lembranças, o devaneio nas fotos, cada qual com sua história, nostalgia e alegria por mais uma conquista.

Cada lugar com suas peculiaridades, suas características próprias...

Tahiti & Polinésia Francesa, situada no meio do pacifico sul, bem mais conhecida pelas ilhas paradisíacas, Morea, Bora Bora, Tetiaroa.... Um lugar mágico, uma experiência única. Porém, em mim ficou na memória as pinturas de Paul Gauguin.
Andar por lugares onde não há turistas é perceber pinturas vivas, Gauguin está lá. Em seu penoso exercício de liberdade Gauguin deixa Paris (1891) rumo ao Tahiti numa busca sincera e vivida daquilo que ele chamou "a grande realidade fundamental: a natureza".
Pintou a natureza, as mulheres, o colorido do povo nativo. Suas telas coloridas e quentes inspiram amor, ternura, mas também solidão. Uma vida torturada e sofrida, doente sifilítico. Aliás, ao que tudo indica, foi ele quem levou a doença para lá.
Morreu nas Ilhas Marquesas em 1903. Seu legado de magistral pintor está em suas pinturas espalhadas pelos melhores museus do mundo, a grande maioria na França, menos no Thaiti. Que ironia.
Em Papeete,capital do Tahiti existe um pseudo museu Gauguin, com algumas reproduções mal feitas sobre a obra dele e nem um original. Bizarro eu diria. Voilá, Gauguin permanece.
É olhar as pessoas e a natureza e ver pintura, conforme as minhas fotos justapostas as pinturas de Gauguin. Incrível não?

Paul Gauguin - Duas taitianas com flores de manga

Paul Gauguin - Mulheres de Taiti na praia

KAREL APPEL

2010-07-19T17:49:00.000-07:00

Vamos navegar por terras estrangeiras. Grandes mestres da pintura universal.
Falar de Karel Appel é falar de pintura pura, além de genial talento, coragem e determinação.
Esses dois videos são "um soco no estomago", grande aula. Lucidez e loucura na medida certa.
Confiram.

Mais também no site: http://www.karelappelfoundation.com/

UM OLHAR ATENTO NA ARTE DE HOJE

2010-07-12T06:59:00.000-07:00

ARTISTAS E OBRAS

É comum as pessoas se perguntarem : o que está acontecendo no mundo das artes plásticas?
Será que os artistas contemporâneos, além das "instalações" ainda usam tintas, pincéis, telas, desenhos,aquarelas etc.?
Sim, muita gente de alta qualidade criativa e técnica continuam trabalhando arduamente em seus estúdios.
Costumo dizer que de todas as artes a mais solitária é disparado a PINTURA.
É o artista fechado em seu espaço num embate permanente em busca da melhor solução para seu trabalho.
Uma luta permanente entre o pensamento criativo e o ato de pintar. A busca ansiosa pela cor e a forma exata,e que nem sempre resulta naquilo que o artista se propõe. Fazer e refazer tantas vezes quanto for necessário numa eterna busca de algo verdadeiro e genuíno.
A intenção deste Blog é também mostrar quem e o que andam fazendo artistas brasileiros e estrangeiros.
Começo com Lucia Laguna, artista carioca que despontou no cenário artístico brasileiro com mais de 50 anos e hoje é referencia.
Confira você mesmo.

Mais também no site: http://www.dripbook.com/lucia_laguna/style/painting/#167529

Workshop Herton Roitman no Atelier

2010-07-05T11:53:00.000-07:00

Anualmente o Atelier Lou Borghetti convida um artista para trabalhar novas propostas. Este ano, Herton Roitman, artista gaúcho radicado em São Paulo propôs ao grupo um trabalho de "efeitos especiais" com o uso de materiais diversos tais como panos coloridos, papéis impressos, pintura, entre outros. O tema proposto foi a figura humana fazendo uma referência a Gustav Klimt.

Entrevista TVE-RS - Exposição MARGS

2010-06-05T20:50:00.000-07:00

Exposição MARGS nov. 2007. Programa Primeira Pessoa, TVE-RS, apresentação de Ivette Brandalise.

Fotografia

2010-06-04T22:33:00.000-07:00

Lupa, tempo e memória

"Pegar um microscópio composto e perceber que a sua gota de vinho é no fundo um mar vermelho, que a poeira da asa das borboletas é uma plumagem de pavão, o bolor um campo de flores e a areia uma porção de pedras preciosas. "
A terra e os devaneios do Repouso, Gaston Bachelar, [La vie de Fixlein]

Fotografo como uma pintora. Percebo “pinturas” nas paredes, muros, madeiras de casas antigas, ferrugem, troncos de árvores e raízes. O detalhe está próximo e presente, vivo e colorido. Resgato e me aproprio destes fragmentos de cores, contrastes, texturas oxidadas, compostas e decompostas. A beleza está onde aparentemente não há beleza.

A ação do tempo é sutil, não se percebe, mas segue deixando marcas. São essas marcas, testemunhas do tempo em andamento, que busco captar. A alquimia do tempo na matéria original. Durante anos tenho fotografado o casco de um navio aportado no cais de Porto Alegre. O lugar é ermo, cemitério de navios. O navio, que leva o nome de Bernardino Caballero, já não serve às suas reais funções, está ali silencioso e imponente.

Uma pequena casinha de madeira, refúgio e lar de meus avós, está registrada em uma velha fotografia, encontrada em minha gaveta de guardados. Olhando-a me dou conta que já não é real. Porém, perpetua a imagem projetada, que, no entanto, decodifico pelos meus significados intrínsecos, subjetivos – arquétipos humanos. A casa existiu um dia, e foi fotografada com a intenção de registrar aquele momento, daquele espaço, naquelas condições.

São abstrações do nosso cotidiano: o mistério do tempo em ação. Sempre que estou capturando imagens coloridas e corroídas, percebo, além das formas e cores, a dimensão humana, a ação inexorável do tempo. Tanto faz estar o navio aqui ou em qualquer outro lugar, seu destino seria o mesmo, parte de um processo de finitude, envelhecimento e morte. Na memória depositamos a captura de um momento. Através dela deslocamos o tempo. Ali existe história, abandono, segredos e silêncio. A imagem é desconstruída e reconstruída infinitamente. O visível e a transcendência, o passado que se interpõe ao presente e projeta um outro futuro.

“A universalidade da arte é a universalidade do objeto, real e visível.” (Waldemar Cordeiro)

Lou Borghetti

Meu atelier

2010-06-04T13:46:00.000-07:00

Lya Luft e Lou Borghetti

Fazendoarte

2010-06-04T13:23:00.000-07:00

A inspiração é um dobermann correndo atrás de você.

Crie seu objeto enlouquecido. Como sugestão:

Fonte: HOLM, Anna Marie. Fazer e pensar arte. São Paulo: Museu de Arte Moderna, 2005.

Meu Debut

2010-06-04T12:08:00.000-07:00

Começo hoje esta genial ferramenta. Quero que seja divertida, interativa, séria tipo preto no branco mas sem perder as nuances. O foco é claro, Arte, de todas as formas e modos. Fotografias, pinturas, textos, pesquisas, brincadeiras, processos, músicas, cinema, teatro, curiosidades e por aí vai... Conto com a participação de todos de uma forma muito descontraída e sincera.